La Madrileña, Montaño and Carlos Mena in the 2023-2024 Musical Season of the BBVA Foundation


Concierto Dixerunt en la Fundación BBVA a cargo de Jose Antonio Montaño como director y Carlos Mena como contratenor.



José Antonio Montaño and the Period instrument orchestra La Madrileña will join countertenor Carlos Mena in the 23-24 Musical Season of the BBVA Foundation to present in concert DIXERUNT, the fruit of their latest discographic work published by Sony Classical.

Being performed will be vocal works by Francesco Corselli, including his Ave Regina and his Regina Caeli, as well as the Second Lamentation of Holy Wednesday of 1770, this last piece being a world premiere. Rounding out the program will be the Concerto for 2 Violins in D minor composed by Mauro D’Alay, and two works by Giovanni Battista Sammartini, the Symphony in G Major J-C39 and the Concertino for 4 Instruments in G Major, also a world premiere. The program will finish with Salve Regina by Domenico Scarlatti.

The concert will be held in the Palacio del Marqués de Salamanca in Madrid on Friday, January 12 at 7:30 p.m.




José Antonio Montaño y la orquesta de instrumentos de época La Madrileña estarán junto al contratenor Carlos Mena en la Temporada de Música 23-34 de la Fundación BBVA para presentar el programa de concierto DIXERUNT, fruto de su último trabajo discográfico publicado por Sony Classical.

Se interpretarán las obras vocales de Francesco Corselli; Ave Regina y Regina Caeli así como la Lamentación segunda de Miércoles Santo de 1770, que además será estrenada en tiempos actuales en esta ocasión. El programa se completará con el Concerto per 2 violini in Re minore de Mauro D’Alay y con las obras de Giovanni Battista Sammartini; Sinfonia in Sol Maggiore J-C39 y el Concertino a 4 stromenti in Sol Maggiore, que también será estrenado en tiempos actuales en este concierto. Cierra el programa Salve Regina de Domenico Scarlatti.

El concierto tendrá lugar en el Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid, el viernes 12 de enero a las 19:30 horas.



Giovanni Battista Sammartini (1700/1-1775)
Sinfonia in Sol Maggiore J-C39
I. Allegro ma non tanto
II. Grave
III. Allegro assai
IV. Minuetto

Francesco Corselli (1705-1778)
Ave Regina*
Regina Caeli*

Giovanni Battista Sammartini (1700/1-1775)
Concertino a 4 stromenti in Sol Maggiore*
I. Allegro
II. Affettuoso e piano
III. Presto

Francesco Corselli (1705-1778)
Lamentación segunda de Miércoles Santo*

Mauro D’Alay (c. 1687-1757)
Concerto per 2 violini in Re minore*
I. Allegro (03:14)
II. Largo (03:41)
III. Presto (02:13)

Domenico Scarlatti (1685-1757)
Salve Regina

*(World premiere recording)
(Primera grabación mundial)

Conductor and artistic direction / Director musical y artístico 
José Antonio Montaño

Countertenor / Contratenor
Carlos Mena

Violins I / Violines I
Maxim Kosinov (Violin I soloist in Concerto D’Alay)
Pablo Prieto
Beatriz Amezúa
Marta Mayoral
Roi Cibrán
Violins II / Violines II
Ignacio Ramal (Violin II soloist in Concerto D’Alay)
Abelardo Martín
Belén Sancho
Adrián Pineda
Aglaya González
José I. Sanz de Galdeano
Raquel Tavira
Cellos / Violoncellos
Guillermo Martínez
Ester Domingo
Double bass / Contrabajo
Alberto Jara
Archlute / Archilaúd
Ramiro Morales
Jorge López Escribano



The splendour of the music of the Spanish court in the 18th century cannot be understood without the figure of Isabel de Farnesio. Having been educated in the manner fitting for noble women, she learnt geography, history, grammar, rhetoric and came to master seven languages. She also received musical, dance and artistic training, learning to play the clavichord and to dance and paint. In short, she was passionate about culture and the arts, and cultivated and used this knowledge to best serve and promote the monarchy.

The Queen favoured the presence of Italian artists at court. The most well-known of these was the singer Farinelli, who she regarded as a personal servant, a status hitherto unattained by another musician. She also made the wise decision to appoint Francesco Corselli (1705-1778). His father, the Frenchman Charles Courcelle, had been the dance tutor of Isabel de Farnesio at the court in Parma. Corselli also worked for the court in Parma as a teacher before he went to Madrid in 1733 with an already outstanding education and career behind him. Corselli is an undoubtedly essential name in 18th-century European music. He commanded all the latest aspects of a contemporary music dominated by Italian opera, for which he produced some works such as Farnace (1739) and Achille in Sciro (1744). These embody a purely joyful expression of feeling and emotions which he conveyed magnificently and also transferred to the religious works of the Royal Chapel. The music we hear on this CD is a fine example of such works. The religious genres also reflect the enormous value that the use of a large orchestra entails; rich and varied instrumental writing combined with the projection and expressiveness of the vocal lines, in many cases and as in these works, for solo voice.

Only one year after his arrival, Corselli had to take on the enormous challenge of rebuilding the music archive for the Royal Chapel, which had been destroyed by the fire that razed the Royal Alcazar of Madrid on Christmas Eve, 1734. From that point on, he worked tirelessly to create music for the liturgy. This CD features five pieces from his immense body of work that have been recorded for the first time and showcase the alto. The Royal Chapel singers were chosen from amongst the best international voices, especially castratos: Joseph Gallicani, José Pellegrini and Luigi Giorgi.

One of the most representative songs of the Catholic ritual for Easter Week is from the Lamentations of Jeremiah, which were performed during the Paschal Triduum. These are three songs for each of the three days of Easter and comprise a cycle of nine lamentations, conceived on the basis of a variety of musical aspects. Although the polychoral style was traditionally used, Corselli introduces the pieces for solo voices in different registers and with an equally characteristic use of the instruments. In addition to the strings, the orchestra alternates between woodwind, oboes, horns and flutes, as in the Second Lamentation of Holy Thursday, 1768.

The Marian Antiphons constitute another relevant genre of the liturgy. They are sung at the end of the service and there was a different one for each liturgical season: the Ave Regina Caelorum was performed from the Purification to Holy Thursday and the third, the Regina Caeli, from Holy Saturday to the Saturday following Pentecost, inclusive. The antiphons had a highly ornate style of song, often with long vocalizations for key words in the text, such as those included by Corselli in the final Hallelujah of Regina Caeli in 1750.

From 1778, the Responsory to Saint Cecilia was written for a viola public examination for the Royal Chapel. The responsories were pieces that commented on the reading of the day, which is why they are linked to a preceding text. Due to the function for which it was conceived, the viola has a very prominent role, especially at the instrumental beginning and in several sections in which it acts as an alter ego of the voice and in the cadences. It also performs at times an accompanying role within the string ensemble.

In addition to vocal music, the symphony and concert were genres that also were also developed greatly in the mid-18th century. The courtly palaces were a propitious environment in which they could be performed and enjoyed. During this period, there was a remarkable increase in academies and concerts. The new virtuoso performers were extremely popular with attendees. Corselli has left us fabulous works in this field also, such as the Concertino a 4 (1770), which, as with the responsory, was written for the viola public examination for the chapel orchestra. In this work, he emphasises the alto voice, which was highly prominent in court music with specialist performers and dedicated writing throughout the repertoire. This Concertino was the first work to be composed in Spain for four instrumental parts. With its independent lines for each instrument and three conventional movements (fast-slow-fast), its language is that of chamber music.

Sammartini (1700/1-1775) was the descendant of a French musician like Corselli. His career played out entirely in the city of his birth, Milan, where he held important positions. Sammartini received his early musical training from his father and his first professional steps were taken as an oboist for Saint Celsus church and the Royal Ducal Theatre orchestra. He was appointed master of the chapel choir for the Congregazione del Santissimo Entierro in 1728, a post in which he remained for his entire life. He was the city’s most important composer, and as well as premiering works at the Royal Ducal Theatre, he provided composition and musical direction for state religious ceremonies

His name is associated with the development of the symphony and he exerted a notable influence on musicians of his own time and those who followed, such as Haydn. His is the most important catalogue of symphonies from the mid-18th century. His work circulated throughout Europe and the aristocratic circles of Madrid before the Viennese classics became the later masters of the genre.

The Concertino a 4 stromenti linked him once again to Corselli. However, Sammartini’s work has a more orchestral character and texture than that of Corselli, which is more in the style of chamber music. Although some of his symphonies include wind instruments, many of them, like this one, Symphony in G Major J-C39, were written for strings: the same template as the Concertino. His orchestral music is transparent and brilliant, with rhythmic effects and continuous changes that confer upon the works a great sense of vitality and dynamism.

With further assistance from Queen Isabel de Farnesio, Mauro d’Alay (c. 1687-1757), known as Maurino, also attended the court. A virtuoso of the violin, he too was born in Parma. He accompanied the princess to Madrid in 1714 for her marriage to Philip V of Spain. After several return journeys to Madrid and throughout the continent (he was in London and Germany, and published in Amsterdam), he entered the service of the Queen on 9 May, 1740, with a very highly salary as the court’s first-violin player. As well as the Queen, Corselli also intervened to appoint D’Alay as a violinist for the premiere of his great opera, Farnace. Both men would have been in Parma at the Steccata church in the same time: around 1730. Both Corselli and D’Alay earned the Queen’s trust, and were chosen by her as music teachers for the princes, a position of the highest importance at court.

D’Alay remained in Spain until the beginning of the reign of the new monarchs, Ferdinand VI and Maria Barbara de Bragança. They were great music lovers who retained musicians like Farinelli and Corselli in their service, although this was not the case of D’Alay. He did not follow the Queen Mother Isabel in her retirement at La Granja, but returned to Italy and died in Parma in 1757.

In addition to being a performer, he was an excellent composer of vocal works, sonatas and violin concertos. This CD includes one of his vibrant concerts in the style of Vivaldi, who was one of his greatest influences, as can be seen in his music. This concerto in three movements for two violins builds on the dialogue between the two soloists and has a strong rhythmic component: the engine that drives the development of the form through the repetition of characteristic motifs typical of Italian instrumental music of the period.

This recording reflects the wide and varied range of genres and styles of the mid-18th century, which saw the emergence of high-quality music that can now be heard for the first time.

Judith Ortega




El esplendor de la música de corte española en el siglo XVIII no se puede entender sin la figura de Isabel de Farnesio. Con una exquisita formación propia de las mujeres de la realeza, aprendió geografía, historia, gramática, retórica, y llegó a dominar siete idiomas. La música, la danza y la formación artística también estuvieron presentes: aprendió a tocar el clavicordio y también a bailar y a pintar. En definitiva, una apasionada de la cultura y las artes que supo cultivar y utilizar como un medio al servicio de la representación de la majestad real.

La reina impulsó la presencia de los artistas italianos en la corte, cuyo nombre más conocido es el del cantante Farinelli, a quien reconoció como criado familiar, un estatus nunca alcanzado por otro músico. También tomó la sabia decisión de contratar a Francesco Corselli (1705-1778). Su padre, el francés Charles Courcelle, había sido maestro de danza de Isabel de Farnesio en la corte de Parma. Para la corte de Parma también trabajó Corselli como maestro antes de su llegada a Madrid en 1733, con una formación y trayectoria ya notables. Sin duda, Corselli es un nombre imprescindible en la música europea del siglo XVIII. Asimiló todas las novedades de la música del momento, dominada por la ópera italiana de la que él mismo nos dejó algunos títulos como Farnace (1739) o Achille in Sciro (1744), puro gozo de expresión de los afectos y las emociones manejados de manera genial y que trasladó también a las obras religiosas de la Real Capilla. La música que escuchamos es una buena muestra de ello. Los géneros religiosos también incorporan la enorme riqueza que supone el uso de una amplia orquesta, una escritura instrumental rica y variada junto al vuelo y expresividad de las líneas vocales, en muchos casos, como en estas obras, para voz solista.

Solo un año después de su llegada, Corselli debió asumir el enorme reto de reconstruir el archivo de música para la Real Capilla destruido tras el incendio que asoló el Alcázar de Madrid la nochebuena de 1734. Desde entonces se dedicó de manera incansable a la creación de música para la liturgia. De su inmenso corpus se incluyen en este disco cinco obras, grabadas por primera vez, que tienen como protagonista la voz de alto. Los cantores de la Real Capilla eran escogidos entre las mejores voces internacionales, con preferencia por los castrados, como Joseph Gallicani, José Pellegrini o Luigi Giorgi.

Uno de los cantos por excelencia del ritual católico para la Semana Santa es el de las lamentaciones de Jeremías que se interpretan durante los oficios de tinieblas para el Triduo Santo. Tres cantos para cada uno de los días que conforman un ciclo de nueve lamentaciones, un ciclo que se concibe sobre la base de una variedad de elementos musicales. Aunque tradicionalmente se empleaba el estilo policoral, Corselli introduce las piezas para voces solistas de diferentes registros y un uso igualmente característico de los instrumentos, con una orquesta que además de la cuerda alterna la presencia de vientos, oboes, trompas o flautas, como en la Lamentación 2ª de Jueves Santo de 1768.

Las antífonas marianas constituyen otro género relevante de la liturgia. Se cantan al término del oficio y había una diferente para cada tiempo litúrgico: el Ave Regina Caelorum, se interpretaba desde la Purificación hasta el Jueves Santo y la tercera, el Regina Caeli, desde el Sábado Santo hasta el sábado siguiente a Pentecostés, inclusive. Las antífonas tenían un estilo de canto muy ornamentado, a menudo con largas vocalizaciones en palabras clave del texto, como las que incluye Corselli en el Aleluya final del Regina Caeli en 1750.

El responsorio a Santa Cecilia de 1778 está escrito para una oposición de viola de la Real Capilla. Los responsorios eran piezas que comentaban la lectura del día, por lo que se vinculan a un texto precedente. Debido a la función con la que se concibió, la viola tiene un papel muy destacado especialmente en el inicio instrumental, en varias secciones en las que funciona como alter ego de la voz y en las cadencias. También ejerce en algunos momentos su rol de acompañamiento dentro del conjunto de cuerda.

No solo la música vocal, también la sinfonía y el concierto fueron géneros que gozaron de un gran desarrollo en el periodo central del siglo XVIII que encontraron en los palacios cortesanos un ambiente propicio para su interpretación y escucha. En estos años las academias y los conciertos aumentan notablemente y los nuevos intérpretes virtuosos hacen las delicias de los asistentes. Corselli nos ha dejado también obras fabulosas en este terreno, como el Concertino a 4 (1770), escrito al igual que el responsorio para la oposición a viola de la orquesta de la capilla. Pone el foco así en la voz de alto, que tuvo mucho protagonismo en la música de corte con intérpretes especializados y una escritura específica en todo el repertorio. Este Concertino es la primera obra a 4 partes instrumentales compuesta en España. Presenta un lenguaje camerístico, con líneas independientes para cada instrumento y consta de los tres movimientos convencionales, rápido-lento-rápido.

Descendiente de un músico francés al igual que Corselli, Sammartini (1700/1-1775) desarrolló toda su carrera en su ciudad natal, Milán, en la que ocupó los puestos principales. Sammartini inició su formación musical de la mano de su padre. Sus primeros pasos profesionales fueron como oboísta en la iglesia de San Celso y en la orquesta del Teatro Ducal. Fue nombrado maestro de capilla de la Congregazione del Santissimo Entierro en 1728, cargo en el que permaneció el resto de su vida. Fue el compositor más importante de la ciudad, y además de estrenar obras en el Teatro Ducal se ocupó de la composición y dirección musical en ceremonias religiosas de Estado.

Su nombre está asociado al desarrollo de la sinfonía y ejerció una notable influencia en músicos de su época y posteriores, como Haydn. Cuenta con el catálogo más importante de sinfonías de mediados del XVIII y su obra circuló por toda Europa, también en los ambientes aristocráticos madrileños, antes de que los clásicos vieneses se erigieran para la posteridad en los maestros del género.

El Concertino a 4 stromenti lo vincula nuevamente a Corselli, si bien el de Sammartini tiene un carácter y textura más orquestal que el de este, de estilo más camerístico. Aunque algunas de sus sinfonías incluyen vientos, buena parte de ellas, como la que escuchamos aquí, Sinfonia in Sol maggiore J-C39, las escribe para cuerdas, la misma plantilla que el concertino. Su música orquestal es transparente y brillante, con efectos rítmicos y cambios continuos que aportan gran vitalidad y dinamismo a las obras.

También por mediación de la reina Isabel de Farnesio llegó a la corte Mauro d’Alay (c. 1687-1757), conocido como Maurino, virtuoso del violín y también originario de Parma. Viajó con la princesa a Madrid en 1714 con motivo de su matrimonio con el rey Felipe V. Después de varias idas y venidas a Madrid además de viajes por el continente (estuvo en Londres, en Alemania y publicó en Ámsterdam) entró al servicio de la reina el 9 de mayo de 1740, con un sueldo altísimo como primer violín de la corte. Además de la propia reina, Corselli pudo interceder para contratar a D’Alay como violinista para el estreno de su gran ópera Farnace, ambos habrían coincidido en Parma en la iglesia de la Steccata hacia 1730. Tanto Corselli como D’Alay merecieron la confianza de la reina eligiéndolos como maestros de música de los infantes, un puesto de la máxima relevancia en la corte.

Permaneció en España hasta el inicio del reinado de los nuevos monarcas, Fernando VI y María Bárbara de Braganza, grandes melómanos que mantuvieron a músicos como Farinelli y Corselli a su servicio, pero no fue el caso de D’Alay, quien tampoco siguió en su retiro a la reina madre Isabel en La Granja, sino que regresó a Italia y falleció en Parma en 1757.

Además de intérprete fue un excelente compositor de obras vocales, sonatas y conciertos para violín. Aquí escuchamos uno de sus vibrantes conciertos, al estilo de Vivaldi, que le influyó notablemente como se aprecia en su música. Este concierto en tres movimientos para dos violines explota el diálogo entre los dos solistas, tiene un fuerte componente rítmico, ese motor que impulsa el desarrollo de la forma a través de la repetición de motivos característicos típico de la música instrumental italiana del periodo.

Este disco refleja la amplia y variada constelación de géneros y estilos del periodo central del siglo XVIII que alumbró músicas de gran calidad que pueden ahora escucharse por primera vez.

Judith Ortega


JOSÉ ANTONIO MONTAÑO, Conductor / Director


José Antonio Montaño, considered by the musical press as “one of the Spanish conductors with the most projection of the moment“, develops a successful and versatile career in theatres and auditoriums of international prestige through all genres (opera, ballet and symphonic) covering an extensive repertoire ranging from the baroque to contemporary premieres. In the operatic field of early music, he has directed titles such as: La vera costanza or Il mondo della luna by Haydn, Don Giovanni by Mozart, Il matrimonio segreto by Cimarosa, Il tutore burlato by Vicente Martín y Soler, L‘Orfeo by Monteverdi, Dido & Aeneas by Purcell, La contadina by Hasse, La serva padrona by Pergolesi, Il sacrifizio di Abramo by Camille de Rossi, which combines with others such as Il barbiere di Siviglia and Il viaggio a Reims by Rossini, Don Pasquale and Rita by Donizetti, Don Giovanni Tenorio by R. Carnicer, I Puritani by Bellini or La Bohème by Puccini to name but a few. In 2016 he founded the orchestra of period instruments La Madrileña, with which he developed various projects of interpretation and musicological research, with repertoires from the 18th century, in outstanding theatres, auditoriums and festivals.


José Antonio Montaño, considerado por la prensa musical como “uno de los directores de orquesta españoles con más proyección del momento”, desarrolla una exitosa y versátil carrera en teatros y auditorios de prestigio internacional a través de todos los géneros (ópera, ballet y sinfónico) abarcando un extenso repertorio que va desde un primer barroco hasta estrenos contemporáneos absolutos. En el campo operístico de música antigua, ha dirigido títulos como: La vera costanza o Il mondo della luna de F. J. Haydn, Don Giovanni de W. A. Mozart, Il matrimonio segreto de D. Cimarosa, Il tutore burlato de V. Martín y Soler, L’Orfeo de C. Monteverdi, Dido & Aeneas de H. Purcell, La contadina de J. A. Hasse, La serva padrona de G. B. Pergolesi, Il sacrifizio di Abramo de C. de Rossi, que combina con otros como Il barbiere di Siviglia e Il viaggio a Reims de G. Rossini, Don Pasquale y Rita de G. Donizetti, Don Giovanni Tenorio de R. Carnicer, I Puritani de V. Bellini o La Bohème de G. Puccini por citar solo algunos.En 2016 funda la orquesta de instrumentos de época La Madrileña, con la que desarrolla diversos proyectos de interpretación e investigación musicológica, con repertorios del siglo XVIII, en destacados teatros, auditorios y festivales.


CARLOS MENA, Countertenor / Contratenor


Trained at the Schola Cantorum Basiliensis (Basel, Switzerland) where he studied with his teachers R. Levitt and R. Jacobs, Carlos Mena is a regular guest at concert halls such as the Musikverein in Vienna, Philharmonie in Berlin, Teatro Colón in Buenos Aires, Bellas Artes of Mexico DF Opera City Hall of Tokyo. Osaka Symphony Hall, Sidney Opera House… Mena has played the main roles of Handel’s Radamisto and Rinaldo at the Salzburg Festival and Concertgebouw in Amsterdam, Britten’s A MidsummerNight’s Dream at the Teatro Real in Madrid, Mozart’s Ascanio in Alba at the Barbican Center of London among many others roles. He has recorded around 50 recitals for Harmonia Mundi, Sony, Mirare, IBS Classical, Passacaille… winning numerous international awards. He has been resident artist of BOZAR in Brussels, the National Center for Musical Diffusion in Madrid and the City of Granada Orchestra.Carlos Mena is equally prolific as conductor with orchestras such as the Portuguese Symphony, OCRTVE Ciudad de Granada, and the symphonies of the Principality of Asturias, Córdoba, Navarra, Bilbao and Galicia.


Formado por la Schola Cantorum Basiliensis (Basilea, Suiza) donde estudió con sus maetros R. Levitt y R. Jacobs, Carlos Mena es invitado regularmente a salas de conciertos como la Musikverein de Viena, Philarmonie de Berlín,Teatro Colón de Buenos Aires, Bellas Artes de México D.F. Opera City Hall de Tokyo. Osaka Symphony Hall, Sidney Opera House… Mena ha interpretado los roles principales de Radamisto y Rinaldo de Haendel en el Festival de Salzburgo y Concertgebouw de Amsterdam, A MidsummerNight’s Dream de Britten en el Teatro Real de Madrid, Ascanio in Alba deMozart en el Barbican Center de Londres entre otros muchos roles. Ha grabado alrededor de 50 recitales para Harmonia Mundi, Sony, Mirare, IBS Classical, Passacaille… ganando numerosos premios internacionales. Ha sido artista residente del BOZAR de Bruselas, del Centro Nacional de Difusión Musical de Madrid y de la Orquesta Ciudad de Granada. Carlos Mena se prodiga igualmente como director de orquesta con orquestas como la Sinfónica de Portugal, OCRTVE Ciudad de Granada, y las sinfónicas de Principado de Asturias, Córdoba, Navarra, Bilbao y Galicia.




La Madrileña is an orchestra of period instruments created and directed by José Antonio Montaño. Its objective is to recover and disseminate the Spanish musical heritage, mainly from the 18th century. Paying special attention to opera and zarzuela by Spanish authors, and using specific instruments from both the baroque and classical repertoires, it has performed in outstanding theatres and auditoriums such as the Teatro Real Madrid, the Auditorio Nacional de Música, the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando or the Palacio de Cibeles in Madrid, and participating in festivals such as the International Festival of Sacred Art of the Community of Madrid or the Music Week 2018 of the Real Maestranza de Caballería de Ronda (Málaga).
His concerts have been broadcasted by Radio Nacional de España. He usually combines in his programmes composers such as W. A. Mozart, Jospeh Haydn or Luigi Boccherini with talented Spaniards such as Vicente Martín y Soler or José de Nebra.
This recording of de Nebra‘s Oficio y Misa de difuntos is the first record project of La Madrileña and is also the world premiere of this work with which the group wants to contribute to the dissemination of the unpublished Spanish musical heritage.


La Madrileña es una orquesta de instrumentos de época creada y dirigida por José Antonio Montaño. Tiene como objetivo la recuperación y difusión del patrimonio musical, principalmente del siglo XVIII. Prestando una especial atención a la ópera y zarzuela de autores españoles, y sirviéndose de instrumentos concretos tanto del repertorio barroco como del clásico, ha actuado en destacados teatros y auditorios como el Teatro Real, el Auditorio Nacional de Música, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o el Palacio de Cibeles en Madrid, y participando en Festivales como el Festival Internacional de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid o la Semana de la Música 2018 de la Real Maestranza de Caballería de Ronda (Málaga).
Sus conciertos han sido retransmitidos por Radio Nacional de España. Habitualmente combina en sus programas autores internacionalmente reconocidos como W. A. Mozart, F. J. Haydn o L. Boccherini con otros españoles de gran talento como V. Martín y Soler o el propio J. de Nebra. Esta grabación del Oficio y Misa de difuntos de J. de Nebra es el primer proyecto discográfico de la Orquesta La Madrileña y es también la primicia mundial de esta obra con la que la agrupación quiere contribuir a la divulgación del patrimonio musical español inédito.


MAXIM KOSINOV, Violinist / Violinista


Maxim Kosinov is a violinist, known for his ability to captivate audiences with his combination of virtuosity and sophistication. Born in St Petersburg, he combines the great Russian musical tradition with wide ranging experience gained through a myriad of artistic collaborations in Europe. Strongly influenced by Reinhard Goebel, he is developing his artistic career as a soloist and orchestra leader and is comfortable with both modern and baroque violin.

Since his first solo recital at the age of five in his hometown, Maxim has regularly appeared internationally in some prestigious venues in Europe and Asia. Maxim is the concertmaster of La Madrileña since its creation in 2016 in Madrid. Since the 21/22 season, Maxim holds the position of associate concertmaster with the SWR Symphony Orchestra Stuttgart and appears as a guest concertmaster with orchestras such as the Spanish National Orchestra, the Lucerne Symphony Orchestra, Orchestre de la Suisse Romande and the Sresdner Philharmonie to name just a few.


Maxim Kosinov es un violinista conocido por su capacidad para cautivar al público gracias a una combinación de virtuosismo y sofisticación. Nacido en San Petersburgo en 1983, combina la gran tradición musical rusa con una amplia experiencia adquirida a través de un sinfín de colaboraciones artísticas en Europa. Fuertemente influenciado por Reinhard Goebel, actualmente está desarrollando su carrera artística como solista y concertino de orquesta, tanto con violín barroco como moderno.

Desde su primer recital en solitario a la edad de cinco años en su ciudad natal, Maxim se ha presentado regularmente a nivel internacional en prestigiosos lugares de Europa y Asia. Maxim es concertino de La Madrileña desde su creación en 2016 en Madrid. Desde la temporada 21/22, Maxim ocupa el cargo de concertino asociado de la SWR Symphony Orchestra de Stuttgart y figura como concertino invitado con orquestas como la Orquesta Nacional de España, la Orquesta Sinfónica de Lucerna, la Orchestre de la Suisse Romande y la Sresdner Philharmonie para nombrar solo algunos.



IGNACIO RAMAL, Violinist / Violinista


Ignacio Ramal, violinist specialized in historically informed performance, studied with professors Manfredo Kraemer and Enrico Onofri, being also influential in his path teachers like Emilio Moreno and Pedro Memelsdorff. He is regularly invited as soloist or concertmaster in various groups, such as the YOCPA orchestra (Jordi Savall), La Madrileña, Bachcelona Consort, Nereydas, Collegium Musicum Madrid, Orquestra del Miracle or Camerata Antonio Soler, with which he has recorded two of Gaetano Brunetti’s concertante symphonies for two violins as soloist as well as several records of Iberian classicism repertoire.

He collaborates regularly with groups such as Le Concert des Nations, Arlequin Philosophe, Orquesta Barroca de Sevilla or La Real Cámara, a group with which he has had the opportunity to give a concert with the Stradivarius Palatinos in Madrid. Besides also collaborating with other of the most relevant groups of the Spanish and European scene, he is a member of the ensemble La Vaghezza and artistic director of the group The Ministers of Pastime.


Ignacio Ramal, violinista especializado en la interpretación históricamente informada, se formó con los profesores Manfredo Kraemer y Enrico Onofri, siendo también influyentes en su camino profesores como Emilio Moreno o Pedro Memelsdorff. Es invitado como solista o concertino en diversos grupos, como la orquesta YOCPA (Jordi Savall), La Madrileña, Bachcelona Consort, Nereydas, Collegium Musicum Madrid, Orquestra del Miracle o Camerata Antonio Soler, con la que ha grabado dos de las sinfonías concertantes de Gaetano Brunetti para dos violines como solista además de varios discos de repertorio del clasicismo ibérico.

Colabora habitualmente con grupos como Le Concert des Nations, Arlequin Philosophe, la Orquesta Barroca de Sevilla o La Real Cámara, grupo con el que ha tenido la oportunidad de dar un concierto con los Stradivarius del Cuarteto Palatino de Madrid. Además de colaborar con otros de los grupos más destacados del panorama español y europeo, es miembro del ensemble La Vaghezza y director artístico del grupo The Ministers of Pastime.


Ave Regina

Ave Regina caelorum,
ave Domina Angelorum.
Salve radix, salve porta
ex qua mundo lux est orta.
Gaude, Virgo gloriosa,
super omnes speciosa.
Vale, o valde decora,
et pro nobis Christum exora.

Ave, Reina de los cielos,
ave, Señora de los ángeles.
Salve, raíz, salve, puerta
de la que nació la luz para el mundo.
Alégrate, Virgen gloriosa,
entre todas la más hermosa.
Salve, oh muy bella,
y ruega a Cristo por nosotros.

Regina Caeli

Regina caeli, laetare. Alleluia.
Quia quem meruisti portare, Alleluia,
Resurrexit, sicut dixit. Alleluia.
Ora pro nobis Deum. Alleluia.

Reina del cielo, alégrate. Aleluya.
Porque el que mereciste llevar en tu seno, Aleluya,
Ha resucitado, según predijo. Aleluya.
Ruega a Dios por nosotros. Aleluya.

Lamentación segunda de Miércoles Santo

Et egressus est a filia Sion omnis decor ejus;
facti sunt principes ejus velut arietes non invenientes pascua,
et abierunt absque fortitudine ante faciem subsequentis.

Recordata est Jerusalem
dierum afflictionis suae et praevaricationis,
omnium desiderabilium suorum,
quae habuerat a diebus antiquis,
cum caderet populus ejus in manu hostili, et non esset auxiliator;
viderunt eam hostes
et deriserunt sabbata ejus.

Peccatum peccavit Jerusalem,
propterea instabilis facta est;
omnes, qui glorificabant eam,
spreverunt illam,
quia viderunt ignominiam ejus:
ipsa autem gemens
conversa est retrorsum.

Sordes ejus in pedibus ejus,
nec recordata est finis sui;
deposita est vehementer,
non habens consolatorem.
Vide, Domine, afflictionem meam,
quoniam erectus est inimicus.

Jerusalem, Jerusalem, convertere ad Dominum, Deum tuum.

La hija de Sión ha perdido todo su esplendor;
sus príncipes son como carneros que no encuentran pastos,
van caminando sin fuerzas delante del que los persigue.

Jerusalén recuerda sus días de aflicción
y prevaricación, y todos sus bienes, que
había tenido desde los días antiguos,
cuando su pueblo sucumbía a manos
enemigas sin que nadie viniera en su
ayuda; sus enemigos la miraban y se
burlaban de sus días sagrados.

Mucho ha pecado Jerusalén,
y por eso se ha hecho inestable;
todos los que la honraban
la desprecian,
pues han visto su deshonra,
y ella misma gime y se
vuelve de espaldas.

La inmundicia está en sus pies,
no pensaba ella en este fin;
está completamente hundida,
y no tiene quien la consuele.
Mira, Señor, mi aflicción,
porque el enemigo triunfa.

Jerusalén, Jerusalén, conviértete a tu Dios y Señor.

Salve Regina

Salve Regina, mater misericordiae,
vita, dulcedo et spes nostra, salve.
Ad te clamamus, exsules filii Evae.
Ad te suspiramus, gementes et flentes
in hac lacrimarum valle.

Eia ergo, advocata nostra, illos tuos
misericordes oculos ad nos converte.
Et Jesum, benedictum fructum ventris tui,
nobis post hoc exsilium ostende.

O clemens, o pia, o dulcis virgo Maria.

Salve Reina y Madre de misericordia,
vida, dulzura y esperanza nuestra, salve.
A ti clamamos, los desterrados hijos de Eva,
a ti suspiramos, gimiendo y
llorando en este valle de lágrimas.

Ea, pues, abogada nuestra, vuelve tus
ojos misericordiosos hacia nosotros y
después de este destierro, muéstranos a
Jesús, fruto bendito de tu vientre.

Oh, clemente, oh, piadosa, oh, dulce Virgen María.


Traducciones, Emilio Gª Ruiz

Codalario – La Madrileña de José Antonio Montaño y Carlos Mena presentan «DIXERUNT» en la Fundación BBVA.



Dijeron ayer, dicen hoy.

Madrid, 12-I-2024, Palacio del Marqués de Salamanca. Temporada de conciertos de la Fundación BBVA. Dixerunt. Obras de Giovanni Battista Sammartini, Francisco Corselli, Mauro D’Alay y Domenico Scarlatti. Carlos Mena [contratenor] • La Madrileña | José Antonio Montaño [dirección].


«Este programa, que lleva por título Dixerunt y previamente había ya fructificado como una grabación homónima para Sony Classical, se presentó en directo y lo hizo en el lugar en el que precisamente nació, la Fundación BBVA, tras recibir en 2021 una Beca Leonardo dirigida a investigadores y creadores culturales en la categoría música y ópera, que dio la oportunidad a José Antonio Montaño de llevar a cabo el proyecto que tenía en mente, grabar por vez primera –junto a su agrupación historicista La Madrileña– algunas obras sacras en latín de Francisco Corselli, una de las grandes figuras de la música en la España de mediados del siglo XVIII, pero también un par de piezas instrumentales firmadas por dos autores italianos como fueron Giovanni Battista Sammartini y Mauro D’Alay, completando la grabación con otras obras orquestales no inéditas. Este programa de concierto difiere en algunas piezas de la grabación, esto es, no están todas las que son, pero sí son todas las que están, al menos para hacerse una idea concreta del proyecto, con la inclusión de una exquisita pieza de Scarlatti hijo para cerrar el programa y que no forma parte de este disco.» 

«El concierto se inició con una obra orquestal del italiano Giovanni Battista Sammartini (c. 1700/01-1775), la Sinfonía en sol mayor, J-C 39, que presenta cuatro movimientos. Sin ser el patio central del Palacio del Marqués de Salamanca –sede en Madrid de la Fundación BBVA y donde se desarrolla su ciclo de conciertos– el mejor sitio posible para una agrupación orquestal de medianas dimensiones –más aun con una tarima enmoquetada que no favorece que el sonido corra en exceso–, la estructura cuadrangular del recinto y no contar con muchos asientos disponibles para el público ayudó a percibir una acústica algo más diáfana de lo esperado, por más que en algunos momentos se perdieron detalles que quizá debieron haberse articulado más para evitar cierta pastosidad general. El Allegro ma non tanto sirvió para calentar motores en una orquesta conformada para este concierto por una sección de cuerda relativamente ambiciosa [5/4/3/2/1], contando en el continuo, además de la cuerda grave, con clave y órgano –según en la ocasión–, además de archilaúd, aunque este último no en todas las piezas. Sonido del tutti de notable empaque, los diálogos entre los violines I y II –comandados con sabia mano por Maxim Kosinov e Ignacio Ramal respectivamente, solistas, además, en el concierto de D’Alay– llegaron bien construidos, con una elaboración inteligente de los recurrentes motivos que conforman este primer movimiento, además de un trabajo de dinámicas por planos bien elaborado. Estas obras de Sammartini todavía requieren de una línea de bajo asumible con el bajo continuo plenamente barroco, firmemente sustentado aquí por la sección de violonchelos a cargo de Guillermo Martínez y Ester Domingo, junto al contrabajo de Alberto Jara, que se defendió excelentemente bien, a pesar de su posición algo incómodo en el extremo derecho y al fondo de la orquesta, algo desconectado de los chelos. Muy correcto y solvente, como es habitual en él, Jorge López-Escribano al teclado –clave en las obras orquestales y órgano positivo en las piezas sacras, por norma general–. El Grave subsiguiente, un movimiento de transición puro entre los movimientos rápidos, estuvo dominado por un breve solo de Kosinov, muy bien defendido y acompañado por sutiles acordes en cuerda y continuo. Regresó la energía con el Allegro assai, interpretado con calidez y contención en el tutti, pero sin adormilar el tempo. La dirección, siempre ajustada de Montaño, es uno de esos extraños casos en las agrupaciones historicistas de nuestro país, lideradas casi siempre por instrumentistas no especialmente amigados con la dirección, que hacen simplemente lo que pueden. Pero en este caso, tanto el gesto como las ideas y el trabajo muy efectivo en los detalles denotan la presencia de un líder que conoce bien los rudimentos y entresijos de una verdadera dirección orquestal, y se agradece, aunque no siempre fue ampliamente secundado por sus músicos. El movimiento conclusivo es un Minuetto de curiosa factura, que presenta una sección solista para cuarteto de cuerda, un planteamiento inteligentemente contrastante desarrollado aquí por ambos violinistas ya mencionados junto a Martínez en el chelo y la viola de Aglaya González.

De Francisco Corselli (1705-1778), gran protagonista de la velada, se interpretaron varias de las obras sacras que conforman la grabación, pero no todas, pues quedaron fuera de este concierto la Lamentación 2.ª de Jueves Santo y el Responsorio de Santa Cecilia: la primera dado que requiere de la presencia de dos traversos; de la segunda desconozco el motivo de su eliminación, una lástima, porque además presenta un solo de viola de bellísima factura. Se ofrecieron, por tanto, una de las lamentaciones y las dos antífonas marianas, estas dos últimas interpretadas tras la sinfonía de Sammartini. Tanto el «Ave Regina» como el «Regina cæli, lætare» son dos piezas breves que presentan diversas secciones, con una escritura muy cercana al estilo galante, que fueron defendidas con la acostumbrada solvencia vocal y escénica del contratenor vitoriano Carlos Mena, aunque quizá no tan cómodo como en otras ocasiones, probablemente por una cuestión de registro en algunas de las obras y en otras por cierta falta de control, algo poco habitual en él. El «Ave Regina» con una muy interesante y delicada imitación entre violines I y II, dando paso al bajo antes de presentar la voz solista, en un registro notablemente exigente, solventado no sin ciertas dificultades por Mena, aunque con su acostumbrada personalidad en la emisión y calidez tímbrica, que hacen que se le reconozca al instante, algo que en un panorama como el actual, repleto de voces de falsetistas totalmente anónimas y anodinas, es todo un lujo. La homogeneidad entre registros sigue sorprendiendo en él, con un registro de pecho en absoluto agresivo ni cavernoso, que fluye con gran organicidad y que se traslada al agudo con total delicadeza. Excelente trabajo en la concertación voz/orquesta, dando espacio a una voz, que por otro lado presenta una proyección muy considerable. Montaño supo extraer de los suyos un tempo lo suficientemente sosegado para dar sentido al texto, pero manteniendo una energía muy activa. «Regina cæli, lætare» presenta una factura rítmica y sincopada más marcada, muy bien plasmada en la cuerda. Mena, muy cómodo en la zona media y firme en el agudo, mantuvo su excelente manejo de la dicción –uno de sus puntos más fuertes–, con una pronunciación del latín a la italiana. Afinación general muy correcta, tanto en el solista como en el aparato orquestal. El aporte tímbrico ofrecido por el bajo continuo resultó muy destacable, con el añadido del archilaúd de Ramiro Morales, un intérprete siempre muy eficaz y de poderoso sonido, además del órgano positivo de López-Escribano, más presente aquí que en la pieza vocal previa. Destacó sobremanera en esta obra el pasaje sobre las palabras «Ora pro nobis Deum», interpretado con una manifiesta finura general, tanto en las largas notas y el fraseo legato de Mena, como en un muy sutil acompañamiento orquestal. El contraste con el vigoroso «Alleluia» conclusivo logró impactar, a pesar de un pequeño traspiés del solista vocal, que se perdió en un momento, solventado el problema con rapidez y haciendo gala de unas tablas que sólo dan tres décadas de carrera.

Regresando a Sammartini, ofrecieron el Concertino para cuatro instrumentos en sol mayor, de nuevo con clave en el continuo y sin la presencia del archilaúd. Obra en tres movimiento que se inició con un Allegro especialmente destacable por el buen trabajo de empaste entre los violines y unas articulaciones muy naturales y bien definidas en cuanto a la ornamentación, denotando un trabajo de filigrana muy serio. El movimiento central [Affettuoso e piano], de estilo marcadamente galante y una escritura orquesta de enorme sutileza, brilló en el trabajo de contramelodía realizado por los violines II, una sección esta que relumbró también en otros muchos momentos de la velada, así que cabe mencionar a sus componentes: Abelardo MartínBelén Sancho y Adrián Pineda. Magníficamente desarrollado el clave, arpegiando con profusión, sustentado un tutti orquestal de cálido y terso sonido. El enérgico Presto conclusivo llegó muy bien perfilado a nivel rítmico, con un muy inteligente diálogo entre las diversas líneas orquestales.

Y recalaron de nuevo en la figura de Francisco Corselli, con una de sus obras para Semana Santa, la Lamentación segunda de Miércoles Santo, nuevamente con un Mena solvente en la vocal, aunque aquí quizá con una perspectiva expresiva excesivamente aséptica y algo desconectado en varios momentos de la obra. No llegó con excesivo acomodo el «Vau» que encabeza la composición, todo lo contrario que en la sección de cuerda, muy elegante y con un fraseo legato de gran impacto. Una vez más, el diálogo, enormemente refinado, entre ambas secciones de violines fue de lo más interesante de la interpretación. Poderoso registro de pecho aquí, con un uso afectivo del vibrato muy acertado, pero no siempre interpretado con la fluidez requerida. Excelente, ahora sí, en la cadenza solista sin acompañamiento orquestal, dando paso a una exquisita sección conclusiva sobre el texto «Jerusalem, convertere ad Dominum, Deum tuum», de enorme fineza y con un acorde final de enorme profundidad en el tutti.

Otra pieza puramente instrumental, la penúltima del programa, sirvió para presentar al público la música del italiano Mauro D’Alay (c. 1687-1757), autor tan ignoto como excelentemente conocedor de la técnica violinística de la época, muy «vivaldiano» en estructura y lenguaje. Su Concierto para dos violines en re menor, en los habituales tres movimientos alternantes rápido-lento-rápido [Allegro-Largo-Presto], fue sin duda una de las obras más destacadas en cuanto a su interpretación de toda la velada. El planteamiento pregunta-respuesta entre ambos solistas, y de estos con el ripieno orquestal, funcionó con notable efectividad, con una emisión y destreza técnica excelente en el caso de ambos solistas [Kosinov y Ramal], solventado con suficiencia los pasajes a dobles cuerdas, la escritura virtuosística de escalas y figuras muy breves en registro agudo y otras exigencias que D’Alay plantea aquí a los solistas. La afinación general fue muy correcta en todo el movimiento, salvo unos leves desajustes que lamentar en el violín II en cierto momento. El lirismo de la escritura del movimiento lento central llegó muy bien plasmado por ambos, destacando aquí la expresividad y del violín de Ramal, un solista más inspirador y emocional, mientras que Kosinov descolló por su solidez y naturalidad técnicas. Buen trabajo del tutti aquí, como firme sustento armónico y bien balanceado en la concertación. El concierto regresó al carácter inicial, con un virtuosismo pletórico en ambos.

La figura de Domenico Scarlatti (1685-1757), aunque no forma parte de la grabación, se justifica con coherencia por su conocida relación con la corte española, fue la encargada de cerrar el programa, con su deliciosa «Salve Regina», obra de una belleza excepcional y que plantea en poco más de diez minutos todo un dechado de excelencia musical, tanto para el solista como para el acompañamiento orquestal. Obra multiseccional, presenta uno de los inicios más hermosos compuestos en la España de mediados del XVIII [1756/57]. Indicada para soprano –así lo explicita la clave de la partitura–, el registro es, sin embargo, para alto, y el propio Carlos Mena se encargó ya de grabar esta pieza hace algunos años junto a la Orquesta Barroca de Sevilla, en la que fue, según me indicó el propio Montaño, la primera grabación de esta obra. La solemnidad y hermosura melódica del «Salve Regina, mater misericordiæ» inicial, llegó exquisitamente plasmado en la cuerda, con un continuo muy sutil, amplificado aquí con la presencia del archilaúd. No tan etérea como sería deseable resultó la entrada de la voz aquí, con una emisión del agudo excesivamente directa. De nuevo, el diálogo entre ambas secciones de violines, y el planteamiento tan inteligente de la línea de los violines II, destacó sobremanera. El marcado contraste con la sección «Ad te clamamus, exsules filii Evæ» impactó, pero lo hizo aún más el poderoso carácter retórico en palabras como «suspiramus» o «gementes et flentes». El aporte del archilaúd, tanto en color como en expresividad, aumentó la efectividad de este pasaje. Mena, más cómodo en esta obra, pudo presentar ciertos planteamientos artísticos más elaborados, y la coloratura sobre «ostende», por ejemplo, fue un de una majestuosa sensibilidad, sostenido a su vez por una orquesta de enorme finura. Un momento realmente inspirador llegó con el verso conclusivo, «O clemens, o pia, o dulcis virgo Maria», en un estilo tan bellamente galante y retomando la solemnidad inicial, para contrastar de forma brillante con el «amen» final, nuevo momento para el lucimiento vocal. Momento álgido de toda la velada, sin duda.

Ante los aplausos del público asistente, ofrecieron dos bises, una repetición de una breve sección de Corselli, y una excepcional versión del aria «In lagrime stemprato», extraída del maravilloso oratorio Maddalena ai piedi di Cristo del veneciano Antonio Caldara (1671-1736), otro autor relacionado con la corte española, aunque en este caso de la facción carlista, concretamente de Carlos III, pretendiente de los Habsburgo al trono español. Exquisita versión esta, mostrando aquí una comodidad y facilidad en el canto mucho más acusada que en la mayor parte del concierto.

Sólo cabe, pues, recomendar la escucha de esta excelente grabación para Sony Classical y aplaudir el excelente trabajo llevado a cabo por José Antonio Montaño, en una muestra muy significativa del trabajo de recuperación patrimonial que parte de la investigación y culmina en la ofrenda al escuchante, aquí por partida doble, tanto en el directo como en la grabación discográfica. Y enhorabuena a la Fundación BBVA por mostrar el buen criterio –algo no siempre habitual en la elección de los proyectos vencedores de las Becas Leonardo en el apartado musical– al escoger este Dixerunt como uno de los vencedores de 2021 y darle la oportunidad de presentarlo en directo al público en su temporada de conciertos.»

Codalario – Mario Guada – 23-01-2024



Musical Magazine Codalario – La Madrileña, José Antonio Montaño and Carlos Mena present «DIXERUNT» at BBVA Foundation 


They said yesterday, they say today..

Madrid, 12-I-2024, Marqués de Salamanca Palace. Concert Season by the BBVA Foundation. Dixerunt. Works by Giovanni Battista Sammartini, Francisco Corselli, Mauro D’Alay, and Domenico Scarlatti. Carlos Mena [countertenor] • La Madrileña | José Antonio Montaño [conductor].

«This program, titled Dixerunt, which had previously materialized as a homonymous recording for Sony Classical, was presented live at the very place where it was conceived, the Fundación BBVA. In 2021, José Antonio Montaño received a Leonardo Grant aimed at researchers and cultural creators in the music and opera category, which provided him the opportunity to realize the project he had in mind. This project involved recording, for the first time, sacred Latin works by Francisco Corselli, one of the great figures of music in mid-18th century Spain, alongside his historicist ensemble La Madrileña. Additionally, a couple of instrumental pieces by Italian composers Giovanni Battista Sammartini and Mauro D’Alay were included, complementing the recording with other non-unpublished orchestral works. While this concert program differs in some pieces from the recording—meaning not all that were recorded are included—it still provides a concrete idea of the project. It concludes with an exquisite piece by Scarlatti, which is not part of the recorded album.»

The concert commenced with an orchestral work by the Italian composer Giovanni Battista Sammartini (c. 1700/01-1775), the Symphony in G major, J-C 39, comprising four movements. Despite the central courtyard of the Marqués de Salamanca Palace—notably the venue in Madrid for the BBVA Foundation’s concert series—not being the most ideal setting for a mid-sized orchestral ensemble, particularly with its carpeted stage hindering sound dispersion, the square structure of the venue and limited seating for the audience contributed to a somewhat clearer acoustics than expected. While some details were occasionally lost, possibly due to a certain overall density, the Allegro ma non tanto served as an effective warm-up for the orchestra, consisting of a relatively ambitious string section [5/4/3/2/1], supplemented by a continuo that, alongside the bass strings, included harpsichord and organ—depending on the occasion—along with theorbo, although not featured in all pieces. The tutti sound was notably robust, with well-crafted dialogues between the first and second violins—ably led by Maxim Kosinov and Ignacio Ramal respectively, who were also soloists in D’Alay’s concerto—showing intelligent development of the recurring motifs in this first movement, as well as finely crafted dynamics. Sammartini’s compositions still necessitate a bass line compatible with the fully Baroque continuo, ably provided here by the cello section led by Guillermo Martínez and Ester Domingo, alongside Alberto Jara on double bass, who performed admirably despite his somewhat awkward position at the far right and rear of the orchestra, somewhat disconnected from the cellos. Jorge López-Escribano at the keyboard—typically on harpsichord for orchestral works and positive organ for sacred pieces—delivered a very correct and solid performance, as usual. The ensuing Grave, a purely transitional movement between the fast movements, was dominated by a brief solo by Kosinov, skillfully accompanied by subtle string and continuo chords. Energy returned with the Allegro assai, performed with warmth and restraint in the tutti, without slowing the tempo. Montaño’s consistently precise direction is a rarity in Spain’s historicist ensembles, which are usually led by instrumentalists with limited conducting experience, simply doing their best. However, in this case, both his gestures and ideas, along with his highly effective attention to detail, reveal the presence of a leader well-versed in the fundamentals and intricacies of orchestral conducting—an appreciated quality, although not always fully embraced by his musicians. The concluding movement is a Minuetto of curious design, featuring a solo section for string quartet—a cleverly contrasting approach executed here by both aforementioned violinists alongside Martínez on cello and Aglaya González on viola.

From Francisco Corselli (1705-1778), a prominent figure of the evening, several of the sacred works featured in the recording were performed, although not all. Omitted from this concert were the «Lamentation 2nd for Holy Thursday» and the «Responsory for Saint Cecilia.» The former required the presence of two flutes, while the reason for the latter’s exclusion is unknown—a regrettable decision, particularly given its beautifully crafted viola solo. Instead, one of the Lamentations and both Marian antiphons were presented, the latter two performed following Sammartini’s symphony. Both the «Ave Regina» and the «Regina cæli, lætare» are brief pieces with multiple sections, showcasing a writing style closely resembling the galant style. They were delivered with the usual vocal and scenic proficiency by the countertenor Carlos Mena from Vitoria. However, he appeared slightly less comfortable than usual, likely due to a register issue in some pieces and, in others, a slight lack of control, which is uncommon for him. The «Ave Regina» featured an intriguing and delicate imitation between the first and second violins, leading into the bass before introducing the solo voice, demanding a notably challenging range that Mena managed to navigate, albeit not without some difficulty. Nevertheless, his distinctive emission style and timbral warmth were immediately recognizable—an indulgence in today’s landscape filled with anonymous and uninspiring falsetto voices. His consistency across registers remains surprising, with a chest register devoid of aggressiveness or cavernousness, flowing organically and seamlessly transitioning to the high notes with delicacy. Excellent coordination between voice and orchestra, allowing ample space for a voice with considerable projection. Montaño adeptly guided the ensemble with a tempo that was calm enough to convey the text’s meaning yet maintained a lively energy. «Regina cæli, lætare» featured a more pronounced rhythmic and syncopated structure, effectively conveyed by the strings. Mena, comfortable in the mid-range and firm in the high notes, demonstrated excellent diction—a notable strength—pronouncing Latin with an Italian flair. Overall intonation was very accurate, both from the soloist and the orchestral ensemble. The timbral contribution from the continuo section was particularly noteworthy, complemented by the addition of the theorbo played by Ramiro Morales, an always efficient performer with a powerful sound, in addition to the positive organ played by López-Escribano, which featured more prominently in this piece than in the preceding vocal piece. A notable highlight was the passage on the words «Ora pro nobis Deum,» performed with remarkable finesse, characterized by Mena’s long notes and legato phrasing, subtly accompanied by the orchestral ensemble. The contrast with the vigorous concluding «Alleluia» was impactful, despite a minor stumble by the vocal soloist, swiftly resolved and showcasing decades of seasoned expertise.

Returning to Sammartini, they performed the Concertino for four instruments in G major, once again featuring harpsichord in the continuo and without the presence of the theorbo. This three-movement work began with an Allegro that was particularly noteworthy for the excellent blending of the violins and well-defined ornamentation, demonstrating meticulous craftsmanship. The central movement [Affettuoso e piano], characterized by a distinctly gallant style and orchestral writing of immense subtlety, shone in the counter-melodic work performed by the second violins—a section that also excelled at many other points throughout the evening. Special mention should be made of its members: Abelardo Martín, Belén Sancho, and Adrián Pineda. The harpsichord was superbly executed, arpeggiating profusely and providing a warm and smooth sound to support the orchestral tutti. The energetic concluding Presto was rhythmically well-defined, featuring an intelligent dialogue among the various orchestral lines.

They returned once again to the figure of Francisco Corselli, with one of his works for Holy Week, the Lamentation for Holy Wednesday. Once more, Mena delivered a solid vocal performance, although perhaps with an excessively neutral expressive perspective and some moments of disconnection throughout the piece. The «Vau» that opens the composition didn’t quite reach the level of comfort, contrasting with the very elegant string section, featuring impactful legato phrasing. Once again, the highly refined dialogue between the two violin sections was one of the most interesting aspects of the performance. Mena demonstrated a powerful chest register here, using vibrato affectively, although not always executed with the required fluidity. However, he excelled in the solo cadenza without orchestral accompaniment, leading into an exquisite concluding section on the text «Jerusalem, convertere ad Dominum, Deum tuum,» displaying immense finesse and ending with a profoundly resonant chord in the tutti.

Another purely instrumental piece, the penultimate of the program, served to introduce the audience to the music of the Italian composer Mauro D’Alay (c. 1687-1757), a figure as obscure as he was remarkably knowledgeable about violin technique of the time, reminiscent of Vivaldi in structure and language. His Concerto for two violins in D minor, in the usual three alternating fast-slow-fast movements [Allegro-Largo-Presto], was undoubtedly one of the highlights of the entire evening in terms of performance. The call-and-response approach between the two soloists, and between them and the orchestral ripieno, worked with notable effectiveness, showcasing excellent emission and technical prowess from both soloists [Kosinov and Ramal], who handled double stops passages, virtuosic scale passages, and brief figures in the high register with proficiency, meeting the demands posed by D’Alay for the soloists. Overall intonation was very accurate throughout the movement, aside from some minor discrepancies in the violin II at one point. The lyricism of the central slow movement was beautifully conveyed by both, with Ramal’s violin particularly expressive, displaying a more inspiring and emotional performance, while Kosinov stood out for his technical solidity and naturalness. The orchestral tutti provided good harmonic support and was well-balanced in coordination. The concerto returned to its initial character, with both soloists demonstrating virtuosic prowess.

The inclusion of Domenico Scarlatti (1685-1757), although not part of the recording, is justified coherently due to his well-known association with the Spanish court. His delightful «Salve Regina» was chosen to conclude the program, a work of exceptional beauty that encapsulates musical excellence in just over ten minutes, both for the soloist and the orchestral accompaniment. A multi-sectional piece, it boasts one of the most beautiful openings composed in mid-18th century Spain [1756/57]. Although scored for soprano—explicitly indicated by the key in the score—the range is, however, for alto, and Carlos Mena himself previously recorded this piece several years ago with the Baroque Orchestra of Seville, reportedly the first recording of this work, as indicated by Montaño. The solemnity and melodic beauty of the initial «Salve Regina, mater misericordiæ» were exquisitely rendered by the strings, accompanied by a very subtle continuo, enhanced by the presence of the theorbo. The entry of the voice here, however, was not as ethereal as desired, with the high notes emitting excessively direct. Once again, the dialogue between the two violin sections, and the intelligent approach to the second violin line, stood out prominently. The marked contrast with the section «Ad te clamamus, exsules filii Evæ» was impactful, but even more so were the powerful rhetorical passages such as «suspiramus» or «gementes et flentes.» The contribution of the theorbo, both in color and expressiveness, heightened the effectiveness of this passage. Mena, more comfortable in this work, was able to present more elaborate artistic interpretations, with the coloratura on «ostende,» for example, displaying majestic sensitivity, supported by an orchestra of immense finesse. A truly inspiring moment came with the concluding verse, «O clemens, o pia, o dulcis virgo Maria,» in a style so beautifully gallant, returning to the initial solemnity to contrast brilliantly with the final «amen,» another opportunity for vocal brilliance. Undoubtedly, the highlight of the entire evening.

Amidst the applause from the attending audience, they offered two encores: a repetition of a brief section by Corselli, and an exceptional rendition of the aria «In lagrime stemprato,» taken from the marvelous oratorio Maddalena ai piedi di Cristo by the Venetian composer Antonio Caldara (1671-1736), another figure associated with the Spanish court, albeit in this case, with the Carlist faction, specifically Carlos III, the Habsburg pretender to the Spanish throne. This rendition was exquisite, showcasing a comfort and ease in singing much more pronounced than in the majority of the concert.

Therefore, it is only fitting to recommend listening to this excellent recording by Sony Classical and applaud the outstanding work carried out by José Antonio Montaño. It stands as a significant example of heritage recovery efforts, stemming from research and culminating in an offering to the listener, both live and through the recorded album. Congratulations are also due to the BBVA Foundation for demonstrating commendable judgment—something not always common in selecting winning projects for the Leonardo Grants in the musical category—by choosing Dixerunt as one of the recipients in 2021 and providing the opportunity to present it live to the audience during their concert season.»

Codalario – Mario Guada – 23-01-2024

Concierto Dixerunt en la Fundación BBVA a cargo de Jose Antonio Montaño como director y Carlos Mena como contratenor.

Concierto DIXERUNT La Madrileña; José Antonio Montaño director; Carlos Mena contratenor. Temporada Música 23-24 Fundación BBVA

Concierto DIXERUNT La Madrileña; José Antonio Montaño director; Carlos Mena contratenor. Temporada Música 23-24 Fundación BBVA

Concierto DIXERUNT La Madrileña; José Antonio Montaño director; Carlos Mena contratenor. Temporada Música 23-24 Fundación BBVA

Concierto DIXERUNT La Madrileña; José Antonio Montaño director; Carlos Mena contratenor. Temporada Música 23-24 Fundación BBVA

Concierto DIXERUNT La Madrileña; José Antonio Montaño director; Carlos Mena contratenor. Temporada Música 23-24 Fundación BBVA